Arte Posmoderno

¿Qué es el arte posmodernista?

El término «arte posmodernista» se refiere a una amplia categoría de arte contemporáneo creado desde aproximadamente 1970 en adelante. El sello distintivo del «arte posmodernista» es su rechazo a la estética en el que se basó su predecesor, el «arte moderno» (1870-1970). Uno de estos valores rechazados es la idea de que el «arte» es algo «especial» que debería «elevarse del» gusto popular. Coincidiendo con una serie de nuevos desarrollos tecnológicos, el posmodernismo ha llevado a casi cinco décadas de experimentación artística con nuevos medios y nuevas formas de arte, incluyendo » Arte conceptual «, varios tipos de » Arte de performance «y» Arte de instalación «, así como movimientos asistidos por computadora como el deconstructivismo y el arte de proyección. Utilizando estas nuevas formas, artistas posmodernos han estirado definición de arte hasta el punto de que casi «todo vale».

Desafortunadamente, la mayoría de los artículos sobre posmodernismo están llenos de palabras complicadas como «modernidad» (no es lo mismo que modernismo) y «postmodernidad» (diferente al posmodernismo), «Metamodernismo» (de, pero no parte del postmodernismo), y «Post-postmodernismo» (dame un descanso). Entonces, en lugar de usar la jerga, déjame darte un ejemplo simple de código de vestimenta para ayudarte a comprender el «arte posmodernista» y cómo difiere del «arte moderno» y su predecesor, incluso el «arte académico».

El primer estilo de arte importante después del Renacimiento fue el arte académico, el material clásico que fue enseñado por profesores en las Academias. El arte académico es el equivalente artístico del tradicional «traje y corbata». A continuación, alrededor de 1870, viene el «arte moderno». Este es el equivalente artístico de la «camisa y pantalón» o «chaqueta y pantalón». A continuación, alrededor de 1970, viene el «arte posmoderno», que es el equivalente artístico de los «jeans y camiseta». De la misma manera que los códigos de vestimenta se han vuelto menos formales y más «todo vale», los artistas de hoy están menos impresionados con las viejas ideas de lo que debería ser el arte y más centrados en crear algo (cualquier cosa) que se note.

Pero la vestimenta informal como jeans y camisetas solo se ha vuelto popular porque la sociedad misma se ha vuelto menos formal. De la misma manera, como veremos, el «arte posmodernista» es parte de una corriente más amplia de cambio tecnológico, político y social en Occidente, que ha introducido muchas nuevas actitudes y nuevos tipos de comportamiento. El impacto total de Internet, por ejemplo, en el abastecimiento y distribución de imágenes artísticas, y en la creación de arte aplicado y diseño, aún no se ha sentido. Pero dado que ya ha revolucionado la industria de la música, es probable que su efecto en el mundo del arte no se demore por mucho tiempo.

Definición de arte posmodernista

Si realmente necesita una definición de una oración del arte posmodernista, aquí está.

Un estilo de arte posterior a la década de 1960 que rechazó los valores tradicionales y las suposiciones políticamente conservadoras de sus predecesores, a favor de un concepto de arte más amplio y entretenido, utilizando nuevas formas artísticas enriquecidas por el video y la tecnología informática.

Cómo difiere del arte contemporáneo

¿Cuál es la diferencia entre el arte posmodernista y el arte contemporáneo? En la práctica, estos dos términos son más o menos intercambiables. Sin embargo, técnicamente hablando, «arte posmoderno» significa «después de lo moderno» y se refiere a un período fijo (digamos 50 años de duración) que comienza alrededor de 1970, mientras que «arte contemporáneo» se refiere al período móvil de 50 años inmediatamente anterior al presente. Por el momento estos dos períodos coinciden. Pero en 2050, por ejemplo, el «arte posmoderno» (1970-2020) habrá sido reemplazado por otra era, mientras que el «arte contemporáneo» ahora cubrirá el período 2000-2050. Entonces los dos habrán divergido.

Cómo difiere del arte modernista tardío

En arte visual , el término «modernismo tardío» se refiere a movimientos o tendencias que rechazan algún aspecto del «arte moderno», pero que de otro modo permanecen dentro de la tradición modernista. Estilos como Expresionismo abstracto (1948-65) fueron practicados por varios artistas modernos radicales, incluido Jackson Pollock, inventor de todo pintura de acción – y Willem De Kooning, quienes rechazaron muchas de las convenciones formales de la pintura al óleo. Y, sin embargo, ni Pollock ni De Kooning habrían producido algo como el Dibujo Erased de Kooning de Rauschenberg (1953, Museo de Arte Moderno de San Francisco), ya que ambos seguían creyendo firmemente en los conceptos modernistas de autenticidad y significado. Del mismo modo, los seguidores de los movimientos posmodernos como el realismo contemporáneo (1970 en adelante) y el neoexpresionismo (1980 en adelante) también incluyeron a numerosos pintores que trabajaron de manera modernista en lugar de posmoderna. En términos de código de vestimenta, el modernismo tardío es el equivalente artístico de «camisa y pantalón», pero en un color amarillo brillante.

Fondo

» Arte Moderno «generalmente se asocia con el siglo 1870-1970, aproximadamente desde el impresionismo hasta el arte pop. A pesar de varias catástrofes mundiales: La Gran Guerra (1914-18), La Pandemia de Influenza (1918-19), el Desplome de Wall Street y la Gran Depresión (finales de 1920, 1930), que socavaron muchas de las certezas morales de la época, artistas modernos generalmente conservaba la creencia en las leyes científicas fundamentales de la razón y el pensamiento racional. En términos generales, como la mayoría de los occidentales de la época, creían que la vida tenía sentido; que el progreso científico fue automáticamente bueno; que el Occidente cristiano era superior al resto del mundo; que los hombres estaban por encima de las mujeres. Los modernistas también creían en el significado, la relevancia y la progresión del arte, especialmente las bellas artes y la arquitectura. Siguiendo los pasos de Leonardo y Miguel Ángel, creyeron en el «alto arte», un arte que eleva e inspira al espectador cultivado, en lugar de un «bajo arte» que simplemente divierte o entretiene a las masas. Adoptaron un enfoque innovador, viendo el arte como algo que debería progresar constantemente, liderado por un grupo líder de artistas de vanguardia.

La Segunda Guerra Mundial y el Holocausto judío revirtieron todo. París fue reemplazada abruptamente por Nueva York como la capital del arte mundial. A raíz de Auschwitz, todos arte representativo – excepto Arte del holocausto – parecía repentinamente irrelevante, por lo que los pintores modernos recurrieron a arte abstracto (aunque lleno de emoción, simbolismo o animación) para expresarse. Sorprendentemente, durante la década de 1950, el Escuela de nueva york – presentando Las pinturas de Jackson Pollock así como la pintura más tranquila de Color Field de Mark Rothko, encabezó una recuperación temporal del arte a ambos lados del Atlántico. Estos pintores de vanguardia lograron redefinir el sobre para pinturas abstractas, pero se mantuvieron dentro de los límites del modernismo. Creían en la creación de obras de arte auténticas y terminadas con contenido importante.

Pero la era «modernista» estaba llegando a su fin inexorablemente. Las crecientes revelaciones de la Shoah, las pruebas de bombas atómicas, la Crisis de los misiles cubanos (1962) y la Guerra de Vietnam (desde 1964), hicieron que la gente se desilusionara cada vez más de la vida (y el arte). Ya, a mediados de los años 50, Jasper Johns y Robert Rauschenberg había producido las primeras obras de estilo postmoderno de Neo-Dada y Pop. Pronto, el pop-art convencional marcaría el comienzo de la posmodernidad propiamente dicha, ya que las cadenas de televisión estadounidenses se centraron en la ofensiva del Tet de 1968 y la caótica Convención Democrática en Chicago.

NOTA: en Arquitectura del siglo XX , la situación era ligeramente diferente. El diseño moderno del edificio fue influenciado por el deseo de crear un estilo completamente nuevo para el «hombre moderno». Los arquitectos modernistas querían eliminar todas las referencias históricas y crear algo completamente nuevo. (Por lo tanto, no hay columnas griegas, arcos de estilo gótico ni ningún otro recordatorio de estilos ’pasados’). Esto llevó a la Estilo internacional de arquitectura (1920-70), un modismo minimalista de regularidad aburrida, adornado con un brutalismo verdaderamente horrible (bloques de apartamentos de concreto con pequeñas ventanas). Afortunadamente, desde aproximadamente 1970, los arquitectos posmodernos comenzaron a humanizar la arquitectura del siglo XX mediante el diseño de estructuras con características interesantes, tomadas de la cultura popular y de los estilos más tradicionales.

Características del posmodernismo

El «posmodernismo» no es un movimiento, es una actitud general. Por lo tanto, no hay una lista acordada de características que definan el «arte posmodernista». Pero debemos comenzar en alguna parte, así que aquí hay algunos punteros seleccionados.

Ideología general

La posmodernidad refleja una desilusión generalizada con la vida, así como el poder de los sistemas de valores y / o tecnología existentes para lograr un cambio beneficioso. Como resultado, la autoridad, la experiencia, el conocimiento y la eminencia de los logros se han desacreditado. Los artistas ahora son mucho más cautelosos acerca de las «grandes ideas» (por ejemplo, todo «progreso» es bueno). Lo más importante, el «arte modernista» fue visto no solo como elitista sino también como blanco, dominado por los hombres y sin interés en las minorías. Es por eso que el posmodernismo defiende el arte de artistas del tercer mundo, feministas y minoritarios. Sin embargo, los críticos dicen que, a pesar de su supuesto «rechazo» de las grandes ideas, el movimiento posmoderno parece tener muchas ideas propias. Los ejemplos incluyen: «todos los tipos de arte son igualmente válidos»; «el arte puede estar hecho de cualquier cosa»; «La democratización del arte es algo bueno» (¿qué tal la democratización de la cirugía cerebral?).

Parafrasear Andy Warhol , «cualquiera puede ser famoso por 15 minutos». Esta idea, más que ninguna otra, resume la era posmoderna. Frente a un nuevo mundo sin sentido, la respuesta posmoderna ha sido:

Bien, juguemos con estas tonterías. Aceptamos que la vida y el arte ya no tienen ningún significado intrínseco obvio, pero ¿y qué? Experimentemos, hagamos que el arte sea más interesante y veamos a dónde conduce. Quién sabe, ¡quizás podamos ser famosos por 15 minutos!

Educación artística

La posmodernidad cambió las prioridades educativas en numerosas universidades de arte. Durante la década de 1970, el arte de la pintura (y en un grado menor escultura ), fue visto como desgastado. Además, la idea de trabajar durante cuatro años para dominar las habilidades necesarias de estas bellas artes tradicionales, se consideró regresiva. Se creía que el arte debería liberarse de la élite y abrirse al público, por lo que las escuelas de arte comenzaron a generar un nuevo tipo de graduados, alguien familiarizado con las formas instantáneas de estilo posmodernista, así como con las técnicas básicas de producción. En pocas palabras, se consideraba que la «creatividad» individual era más importante que la acumulación de habilidades artesanales.

Uso de la tecnología

La era del «arte posmodernista» ha coincidido con la llegada de varias nuevas tecnologías basadas en imágenes (por ejemplo, televisión, video, serigrafía, computadoras, Internet) y se ha beneficiado enormemente de ellas. La nueva gama de video e imágenes fotográficas ha reducido la importancia de dibujo habilidades, y al manipular la nueva tecnología, los artistas (especialmente aquellos involucrados en los nuevos medios, como la instalación, el video y el arte basado en lentes) han podido acortar los procesos tradicionales involucrados en «hacer arte», pero aún así crear algo nuevo. Esto se ilustra en la fotografía documental de Diane Arbus, que se centra en los miembros de las minorías en la ciudad de Nueva York y el videoarte de los coreanoamericanos Nam June Paik (1932-2006).

Enfoque posmodernista en la cultura popular / baja

El término «alta cultura» a menudo es utilizado por críticos de arte cuando se trata de distinguir la «alta cultura» de la pintura y la escultura (y otras bellas artes), de la «baja» cultura popular de revistas, televisión, pulp fiction y otras mercancías hechas en masa. Los modernistas, junto con sus partidarios influyentes como Clement Greenberg (1909-94), consideró que la cultura baja es inferior a la cultura alta. Por el contrario, los posmodernos, que favorecen una idea más «democrática» del arte, ven la «alta cultura» como más elitista. Así, el Pop-art, el primer movimiento posmodernista, hizo arte a partir de artículos de consumo ordinarios (hamburguesas, latas de sopa, paquetes de jabón en polvo, tiras cómicas) que Joe Public reconoció al instante. Los artistas pop y otros fueron aún más lejos en sus intentos de democratizar el arte, imprimiendo su «arte» en tazas, bolsas de papel y camisetas: un método que ejemplifica incidentalmente el deseo posmodernista de socavar la originalidad y autenticidad del arte.

Mezcla de géneros y estilos

Desde entonces Neo-Dada , los posmodernos han disfrutado mezclar cosas, o inyectar elementos novedosos en formas tradicionales, para crear nuevas combinaciones y pastiches. Fernando Botero crea pinturas al estilo primitivo de figuras obesas; Georg Baselitz pinta figuras al revés. Gerhard Richter combinó arte de cámara y pintura en sus ’pinturas fotográficas’ de la década de 1970, mientras Jeff Koons combinó imágenes consumistas (formas de globos) con técnicas escultóricas altamente terminadas para crear sus esculturas pop Balloon Dog (1994-2000). mientras tanto Andreas Gursky combina fotografía con imágenes generadas por computadora para crear obras como Rhein II (1999, MOMA, Nueva York), mientras que Jeff Wall utiliza fotomontaje procesado digitalmente en sus creaciones pictóricas posmodernas.

Postmodernista de significados múltiples

Los artistas posmodernos han desechado la idea de que una obra de arte solo tiene un significado inherente. En cambio, creen que el espectador es un juez de significado igualmente importante. La fotografía surrealista de Cindy Sherman, por ejemplo, destaca la idea de que una obra de arte puede interpretarse de varias maneras. De hecho, algunos artistas, como la artista de performance Marina Abramovic (n. 1946), incluso permiten que los espectadores participen en sus «obras de arte», o incluso requieren la intervención de los espectadores para completar su trabajo.

Satisfacer las necesidades del consumidor

El crecimiento del consumismo y la gratificación instantánea en las últimas décadas del siglo XX también ha tenido un gran impacto en el arte visual. Los consumidores ahora quieren novedad. También quieren entretenimiento y espectáculo. En respuesta, muchos artistas posmodernos, curadores y otros profesionales han aprovechado la oportunidad para convertir el arte en un «producto de entretenimiento». La introducción de nuevos tipos de arte por ejemplo, como Performance, Happenings and Installations, junto con nuevos temas, que incluyen tiburones muertos, moscas moribundas, enormes esculturas de hielo, multitudes de cuerpos desnudos, edificios que parecen estar en movimiento, una colección de 35, 000 Figuras de terracota, islas envueltas en tela de polipropileno rosa, cuerpos pintados, imágenes proyectadas espeluznantes en edificios públicos, etc., han brindado a los espectadores una gama de experiencias nuevas (a veces impactantes). Si estas nuevas así llamadas formas de arte en realidad constituyen «arte» sigue siendo un tema muy discutido. Los conceptualistas posmodernos dicen «Sí», los tradicionalistas dicen «No».

Centrarse en el espectáculo

En ausencia de un significado real para la vida, especialmente cuando somos bombardeados día y noche por la publicidad de radio y televisión, al mismo tiempo que nos vemos obligados a escuchar a los políticos explicar que dos más dos equivalen a tres: los posmodernos han preferido centrarse en el estilo y espectáculo, a menudo utilizando materiales y técnicas publicitarias para un impacto máximo. Este enfoque se ejemplifica con los métodos de impresión comercial, las imágenes de estilo de cartelera y los colores primarios de artistas pop como Roy Lichtenstein y James Rosenquist . Este enfoque en la superficie es una característica recurrente del arte posmodernista, y a veces va más allá con imágenes melodramáticas, deslumbrantes e incluso impactantes. Ver, por ejemplo, el fotografía de moda de Nick Knight y David LaChapelle. Desde 1980, el uso de la computadora y otras tecnologías ha revolucionado el arte multimedia (por ejemplo, la animación) y ha creado oportunidades específicas en áreas como la arquitectura y el mapeo de proyección.

La importancia de la posmodernidad para llamar la atención de la audiencia queda perfectamente ilustrada por las tácticas de choque de un grupo de estudiantes de Goldsmiths College, conocido como el Jóvenes artistas británicos – en Londres a finales de los años ochenta y noventa. Hecho famoso por tres exposiciones: Freeze (1988) y Modern Medicine (1990), ambas comisariadas por un estudiante desconocido llamado Damien Hirst (nacido en 1965) y Sensation (1997), los YBA fueron criticados por su mal gusto impactante, y aun así varios (Rachel Whiteread, Damien Hirst, Douglas Gordon, Gillian Wearing, Chris Ofili, Steve McQueen, Mark Wallinger) se convirtieron en Ganadores del Premio Turner, mientras que otros (Jake y Dinos Chapman, Tracey Emin, Marc Quinn y Jenny Saville) también alcanzaron considerable fama y fortuna.

Tres principios del «arte posmodernista»

1. Significado instantáneo

No más pinturas al óleo desvaídas que representan eventos oscuros de la mitología griega para generar una sonrisa de complicidad entre los espectadores cultos. Desde sus inicios en el movimiento del arte pop, la pintura y la escultura posmodernas fueron audaces, brillantes e instantáneamente reconocibles. Los temas e imágenes se tomaron prestados principalmente de artículos de consumo de alto perfil, revistas, gráficos publicitarios, televisión, películas, dibujos animados y cómics. Por primera vez, todos entendieron el arte en exhibición. Aunque la posmodernidad ha evolucionado desde el Pop-art, un objetivo clave sigue siendo el reconocimiento instantáneo.

Sin embargo, algunas obras de «arte posmodernista» son más «entendidas al instante» que otras. Tomemos por ejemplo el equivalente 1 (1966, Kunstmuseum, Basel) por Carl Andre (nacido en 1935). Es una de esas obras de arte que un experto debe explicar antes de poder apreciarla. Es una escultura minimalista posmoderna que consta de 120 ladrillos de construcción regulares. Los ladrillos se colocan uno encima del otro en el piso en dos capas de 60 ladrillos, dispuestos en una configuración rectangular precisa de tres unidades por veinte unidades. A primera vista, esta obra maestra del arte contemporáneo se ve como algo que podría ver en un sitio de construcción súper ordenado. Afortunadamente, el catálogo de su galería de arte le dice que Andre tomó su decisión radical de hacer arte en el piso en 1965, cuando navegaba en canoa en un lago en New Hampshire, y que este majestuoso montón de ladrillos ejemplifica su credo artístico que «forma = estructura = lugar.» Resulta que el Equivalente 1 original fue «destruido» en 1966 y «rehecho» en 1969. (Quizás necesitaban los ladrillos para algo).

2. El arte se puede hacer de cualquier cosa

Continuando en las tradiciones de Marcel Duchamp – cuyo orinal titulado «Fuente» (1917) fue el primer ejemplo famoso de un objeto ordinario que se convirtió en una obra de arte – los posmodernos se han propuesto crear arte a partir de los materiales y restos de basura más improbables. Ver: Arte basura . Escultores, instaladores y artistas de ensamblaje han hecho arte de chatarra industrial, máscaras de gas, fieltro, cráneos humanos, sangre humana, moscas muertas, luces de neón, gomaespuma, latas de sopa, concreto, goma, ropa vieja, estiércol de elefante y Más. La idea detrás de esto es democratizar el arte y hacerlo más accesible.

3. La idea importa más que la obra de arte misma

En términos generales, hasta la década de 1960, los artistas (incluidos Picasso, Pollock y Lichtenstein) creían que sin un producto terminado, no había nada. Por lo tanto, se prestó mucha atención a la calidad de la obra de arte terminada, y la artesanía necesaria para producirla. Hoy las cosas son diferentes. Los posmodernos suelen tener una creencia más fuerte en el concepto detrás del producto terminado, en lugar del producto en sí. Es por eso que gran parte del «arte posmodernista» se conoce como «Arte conceptual» o «Conceptualismo». Este nuevo enfoque se ejemplifica en la obra de arte conceptual (una lista de instrucciones) de Martin Creed, titulada «227: The Lights Going On and Off» (2001), que ganó el Premio Turner en 2001. Otras formas de conceptualismo sin producto incluyen instalaciones (que son asuntos puramente temporales, después de todo), arte de performance, acontecimientos, arte de proyección, etc.

Quizás el último ejemplo de arte conceptual fue la exposición realizada en marzo de 2009, en el Museo Nacional de Arte Contemporáneo de Francia en el Centro Pompidou en París. Titulado «La especialización de la sensibilidad en el estado de materia prima en sensibilidad pictórica estabilizada», consistía en nueve habitaciones completamente vacías, y nada más.

Movimientos de arte posmoderno

Hasta ahora, no ha habido una gran internacional movimientos artísticos durante el período posmodernista. En cambio, la era ha sido testigo de la aparición de una serie de movimientos estrechos y localizados, así como de varios tipos nuevos de arte, como video y pintura de palabras. Además, ha habido docenas de grupos artísticos escindidos, así como una o dos escuelas antimodernistas cuyos miembros se han esforzado por producir el tipo de arte del que Michelangelo o Picasso se habrían enorgullecido. Aquí hay una breve lista de los principales movimientos y estilos postmodernos, incluida la mayoría de las nuevas formas de arte.